Categorías
Sin categoría

DANNY LYON

Información extraida de: https://www.fundacionico.es/exposiciones/danny-lyon-la-destruccion-del-bajo-manhattan/

Fundación ICO

La destrucción del Bajo Manhattan, que el Museo ICO expondrá íntegramente por primera vez en España, es uno de los más importantes ensayos fotográficos del siglo XX con la ciudad como centro de atención.  

 En él, Danny Lyon documenta la demolición de 24 hectáreas de edificios del centro histórico de Nueva York que, mayoritariamente construidos en el siglo XIX, debían dejar sitio, entre otros, al nuevo World Trade Center, complejo que, por circunstancias completamente diferentes, también sería destruido tan solo treinta años después.

La exposición reúne 76 fotografías de gran belleza y valor documental tomadas en torno al Puente de Brooklyn, Washington Market y la Calle West, un recuerdo de lo que fue el Bajo Manhattan hasta su demolición en 1967, un lugar único con más de un siglo de antigüedad que nunca más volvería a existir, con edificios que, en algunos casos, se remontaban a la Guerra de Secesión.

Pero estas imágenes también son un retrato de las personas que vivían allí, de habitaciones vacías con dibujos infantiles, muebles, huecos de escalera, paredes, ventanas y revestimientos de madera.

Y son, por último, fiel reflejo de un debate urbanístico que, en pleno apogeo en los Estados Unidos de la década de 1960, continúa vigente en nuestros días: el que enfrentaba a los defensores de una ciudad amable en la que poder desarrollar una vida comunitaria activa en la calle (Jane Jacobs), frente a quienes propugnaban una renovación urbana más especulativa en la que las infraestructuras para el automóvil particular tuvieran un peso muy importante (Robert Moses).

La exposición se completa con la pequeña serie Un álbum: Europa, verano de 1959, una selección de 24 fotografías inéditas y nunca antes expuestas, las primeras de su carrera, tomadas por Danny Lyon con una Exa de 35 mm. durante un viaje a Europa con su hermano. Entre ellas hay varias realizadas en España.

 Danny Lyon, uno de los principales impulsores del “nuevo documentalismo” y, también, uno de los representantes de los denominados “concerned photographers” (fotógrafos comprometidos), es considerado como uno de los más influyentes y originales fotógrafos del siglo XX.

Su obra, que forma parte de las principales colecciones del mundo – incluidas las del MoMA y el Art Institute de Chicago–, destaca por la especial implicación que demostró con las comunidades y temas que fotografió en los Estados Unidos.

Entre sus principales trabajos, además de La destrucción del Bajo Manhattan (1967), se encuentran Uptown (1965), The Bikeriders (1967) o Conversations with the Dead (1971).  

Danny Lyon
Categorías
Sin categoría

Medidas contra el Covid en el Estudio

¿ Qué medidas hemos tomado en el estudio Ilógico contra el Covid 19?

En el Estudio Ilógico queremos que nuestros alumnos reciban las clases de pintura y dibujo sabiendo que, desde el centro, estamos haciendo todo lo que está en nuestra mano para tener la máxima precaución frente al virus.

Criterios para la prevención :

·  Turnos máximos de 5 personas.

·  Todos los alumnos mantienen una distancia mínima entre si de 1,5m.

·  Desinfección del Aula antes y después de cada turno.

·  Desinfección de los puestos de trabajo en cada turno.

·  Toma de temperatura al entrar en el Estudio.

· Ventilación constante de las instalaciones.

·  Instalación de dispensadores de gel Hidroalcohólico en la entrada/salida del Estudio y en el Baño.

Con estas medidas y mucho sentido común queremos evitar: la propagación del virus, tener que cerrar el estudio temporalmente, y por supuesto, que nuestros alumnos dejen de aprender nuestra mayor pasión.

Muchísimas gracias por confiar en nosotros para guiaros en el dibujo y la pintura.

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

Cinco itinerarios con un punto de vista. Colección MUSAC

Cinco itinerarios con un punto de vista. Colección MUSAC SALAS 1,2, 3, 4, LAB 987, VITRINAS

Información extraida de https://musac.es/#exposiciones/expo/cinco-itinerarios
  • 25 de enero, 2020 – 11 de octubre, 2020

La exposición Cinco itinerarios con un punto de vista, concebida con motivo del 15 aniversario del MUSAC, incluye un punto de vista, el del propio museo, que se inserta en un preciso contexto histórico y cultural al que sirve y que se despliega en cinco itinerarios que se corresponden con cinco temas que han guiado, entre otros, el incremento de la colección y la programación del museo desde 2013. Se trata de corporalidades y feminismos, teorías y prácticas decoloniales, contexto y acción situada, textualidades y archivos, y publicaciones especiales y libros de artista.

Aunque estas temáticas ejemplifican la labor del MUSAC durante los últimos años, no muestran todas las líneas de acción emprendidas para dar cuenta del complejo devenir de las artes y la sociedad en este principio de mileno. Son, eso sí, una cata prospectiva de asuntos que, o bien han marcando nuestro pasado inmediato, o bien indican algunos retos y vías de transformación para el futuro, o muestran la capacidad del presente para pensarse a sí mismo y, con él, a toda la ciudadanía.

A través de los temas tratados, la muestra pretende hacer hincapié uno de los mayores activos del museo: una extensa colección que cuenta con más de mil obras de 426 artistas nacionales e internacionales, a la que se unen las 291 obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Junta de Castilla y León, depositada en el museo, y una gran selección de libros de artista y ediciones especiales provenientes de la colección del Centro de Documentación del MUSAC.

Las diferentes manifestaciones del pensamiento crítico y sus relaciones con el arte y el trabajo situado, así como su articulación con un horizonte global han constituido los focos de la programación del MUSAC y de su colección tras el estallido de la burbuja económica, y son la base sobre la que se asienta la muestra Cinco itinerarios con un punto de vista. Tras la denominada crisis surgen nuevos escenarios que requieren renovados instrumentos de análisis, coherentes con las prácticas artísticas actuales.

Hoy, tanto amplios sectores de los públicos del arte como sus profesionales se percatan paulatinamente de este cambio de paradigma que implica un reto indiscutible: abandonar el relato canónico y repensar el mundo con nuevas y operativas categorías críticas, asumiendo en todo momento una actitud abierta a las transformaciones. 

Al presentar el arte sin ningún relato hegemónico legitimador (no refrendado por el centro, ni por el canon, ni por la moda) y al enhebrar los relatos o itinerarios sin el apoyo de uno de aquellos grandes relatos de la modernidad o de las maquinarias globales de promoción, se producen otras sensibilidades y emociones, diferentes formas de aproximarse al hecho estético y una  pluralidad de experiencias que dinamitan los límites de la representación tradicional del saber, como eran los supuestos criterios “objetivos” nacionales, cronológicos, de escuelas, estilísticos, etc. Orientarse en el pensamiento actual y en la práctica discursiva del arte significa apoyarse en principios y criterios ajenos al mercado y al canon que éste impone para generar sentido(s) y significado(s) con una perspectiva situada.

Apartados de la exposición

Dinámica relacional. Contexto y acción situada
Comisariado: Manuel Olveira.
Fechas: 25 enero – 11 de octubre 2020
Lugar: Sala 2

Performar el género. Corporalidades y feminismos
Comisariado: Manuel Olveira.
Fechas: 25 enero – 11 de octubre 2020
Lugar: Sala 3

La matriz del poder. Teorías y prácticas decoloniales
Comisariado: Manuel Olveira
Fechas: 25 enero – 11 de octubre 2020
Lugar: Sala 4

Escritura autónoma. Archivos y textualidades expandidas
Comisariado: Manuel Olveira.
Fechas: 25 de enero – 18 de octubre de 2020
Lugar: Laboratorio 987

Ni orden ni pulcritud. Libros y revistas de los años ochenta
Comisariado: Mela Dávila.
Fechas: 25 enero 2020 – 7 de marzo 2021
Lugar: Proyecto Vitrinas

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

Rodin-Giacometti Fundación MAPFRE

La exposición, comisariada por Catherine Chevillot, Catherine Grenier y Hugo Daniel ha sido posible gracias a la generosidad del Musée Rodin, París y La Fondation Giacometti, París. Complementa tu visita en #expoRodin en la @FundacionCanal.

Fondation Giacometti y Musée Rodin

Ven. Disfruta. Comparte #RodinGiacometti

Alberto Giacometti en el parque de Eugène Rudier en Vésinet, posando junto a Les Bourgeois de Calais (Burgueses de Calais) de Rodin, 1950
Patricia Matisse
Alberto Giacometti en el parque de Eugène Rudier en Vésinet, posando junto a Les Bourgeois de Calais (Burgueses de Calais) de Rodin, 1950
© Fondation Giacometti, París

Rodin-Giacometti

Infórmate de los nuevos horarios, prepara tu visita y ven a disfrutar del arte.

La entrada es gratuita para el personal sanitario, Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado y cuerpo de Bomberos (obtenible en taquilla, previa acreditación).

Como parte de las medidas de prevención sanitaria, las actividades educativas (colegios y familias) están temporalmente canceladas.

Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, 1917) y Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 1901-Coira, Suiza,1966) nunca se conocieron. De hecho, cuando Giacometti llegó a París, en 1922, Rodin ya llevaba cinco años muerto. Sin embargo, a través de sus trayectorias artísticas podemos ser testigos de un interesante diálogo entre ambos con muchos puntos en común y también con algunas diferencias, algo inevitable en dos artistas tan libres a los que separa más de una generación.

Ven a reencontrarte con el arte. Infórmate de los nuevos horarios y de las medidas de seguridad e higieneprepara ya tu visita.

Como agradecimiento a su labor contra la COVID-19, todo el personal sanitario, así como los integrantes de las Fuerzas de Seguridad del Estado y cuerpo de Bomberos, podrán disfrutar gratuitamente de esta exposición. Cuentan para ello con dos entradas por persona, que podrán obtener al mostrar su identificación en la taquilla.

En cumplimiento de las medidas establecidas por las autoridades públicas las actividades educativas (colegios y familias) están temporalmente canceladas.

Las salas de exposiciones y las condiciones de la visita están adaptadas a las medidas de prevención sanitaria establecidas por las autoridades para la prevención de la COVID-19. Las medidas de seguridad e higiene son:

  • Reducción de aforo.
  • Uso obligatorio de mascarilla.
  • Distancia mínima de seguridad.
  • Limpieza y desinfección periódica.
  • Dispensadores de gel hidroalcohólico.
  • No están disponibles los servicios de Audioguía y consigna. Importante: bebidas y cualquier tipo de comida serán retiradas antes de acceder a la sala y no podrán ser recuperadas a la salida. No se permitirá el acceso con mochilas, bolsos u otros objetos cuyo tamaño represente un riesgo la seguridad de las obras expuestas.

La exposición

A pesar de estar separadas por más de una generación, las trayectorias creativas de Auguste Rodin y Alberto Giacometti ofrecen paralelismos y disparidades que se desvelan por primera vez en esta exposición conjunta que presentamos en nuestra sala Recoletos.

A través de cerca de doscientas obras, Rodin-Giacometti muestra cómo ambos creadores hallaron, en sus respectivas épocas, modos de aproximarse a la figura que reflejaban una visión nueva, personal pero engarzada en su tiempo: en Rodin el del mundo anterior a la Gran Guerra; en Giacometti, el de entreguerras y el inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial.

Más allá de algunos aspectos puramente formales que comparten ambos artistas, como pueden ser el uso de la materia y la acentuación del modelado, la preocupación por el pedestal y el gusto por el fragmento o la deformación, el diálogo que se establece entre ellos va mucho más allá. Rodin es uno de los primeros escultores considerado moderno por su capacidad para reflejar -primero a través de la expresividad del rostro y el gesto, con el paso de los años centrándose en lo esencial-, conceptos universales como angustia, dolor, inquietud, miedo o ira; también es este uno de los rasgos fundamentales de la obra de Giacometti: sus obras posteriores a la guerra, esas figuras alargadas y frágiles, inmóviles, a las que Jean Genet denominaba “los guardianes de los muertos” expresan, despojándose de lo accesorio, toda la complejidad de la existencia humana.

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

Rembrandt y el retrato en Ámsterdam, 1590-1670

Información extraida de la página:  https://www.museothyssen.org/exposiciones/rembrandt-retrato-amsterdam-1590-1670

Exposición temporal. Del 18 de febrero al 30 de agosto de 2020

El museo está abierto al público aplicando todas las medidas necesarias para garantizar la seguridad de los visitantes.

Detalles

Hora:

A partir del 6 de junio, reapertura.

Lunes: cerrado.
Martes a sábado: de 10:00 a 21:00
Domingo: de 10:00 a 19:00 Lugar: Sala de exposiciones temporales (planta baja) Precio:

General: 13€
Reducida: 9€
Más información

  • Duración estimada de la visita: 1 hora.
  • La exposición cuenta con bancos de descanso en las últimas salas.
  • Se permite realizar fotografías a excepción de algunas obras.

Entra gratis desde 80€ al año Accesibilidad en la visita Comparte en

El museo presenta, por primera vez en España, una exposición dedicada a la faceta de Rembrandt como retratista, un género en el que el pintor más importante del siglo XVII holandés alcanzó también el máximo nivel. Junto a treinta y nueve retratos, se presentarán destacados ejemplos de otros artistas activos como él en Ámsterdam durante el «siglo de oro» holandés, sumando un total de 80 pinturas, 16 grabados y una plancha de grabado, algunos nunca antes vistos en Europa.

Cuando Rembrandt llegó a Ámsterdam a principios de la década de 1630, había ya en la ciudad retratistas como Thomas de Keyser o Frans Hals -residente en la cercana localidad de Haarlem pero con clientes en la capital-, que respondían a una alta demanda del mercado. Tras él, siguieron llegando otros, como Bartholomeus van der Helst, atraídos por las posibilidades de negocio.

La exposición, comisariada por Norbert E. Middelkoop, conservador del Museo de Ámsterdam, permitirá descubrir la variedad y calidad de estas obras y familiarizarse con las historias que hay detrás de los personajes retratados: parejas casadas, artesanos trabajando, niños, eruditos, hombres de negocios, los propios pintores, así como destacados retratos de grupo.

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

Sala Alcalá 31

Información extraida de la página: https://www.comunidad.madrid/actividades/2020/exposicion-gran-sur-arte-contemporaneo-chileno-coleccion-engel

Exposición “Gran Sur: arte contemporáneo chileno en la Colección Engel”

Del 25 febrero 2020 al 26 julio 2020 En curso 2020-02-25T11:00:00 2020-07-26T14:30:00 REF:#11000208

Maqueta de casa y carpa de circo ardiendo y flotando sobre agua

Exposición/Museo

Sala Alcalá 31

La Sala Alcalá 31 presenta la exposición “Gran Sur: arte contemporáneo chileno en la Colección Engel”, una importante selección de una de las mayores colecciones privadas de Latinoamérica, la colección de Claudio Engel.

Comisariada por Christian Viveros-Fauné, “Gran Sur”, presenta por primera vez en España una muestra tan importante de obras de artistas chilenos de finales del siglo XX y principios del XXI. La exposición no solo representa la más exhaustiva introducción al arte chileno que se ha producido en las últimas décadas, sino que también articula una visión distinta de la extraordinaria creatividad exhibida por varias generaciones de artistas chilenos tanto dentro como fuera del país. 

La exposición reúne distintas manifestaciones artísticas, como pintura, escultura, fotografía, instalaciones, videoproyecciones, obra textil y obra gráfica, además de proyectos híbridos y presentaciones multidisciplinares, e incluye ochenta y nueve obras realizadas por treinta y siete grandes artistas. Entre ellos, figuras fundamentales en el contexto artístico chileno como CADA, Juan Downey, Alfredo Jaar y Paz Errázuriz, pasando por una segunda generación de artistas, entre los que destacan Patrick Hamilton, Fernando Prats o Magdalena Correa, hasta llegar al presente, en que artistas emergentes como Pilar Quinteros, Enrique Ramírez o Rodrigo Valenzuela cuentan con una gran proyección internacional.

Una selección de obras que evidencian un fuerte compromiso tanto con la experimentación formal como con los principales temas de nuestro tiempo, mostrando uno de los rasgos más característicos del arte chileno: una alteridad tan excéntrica como privilegiada. 

Categorías
Sin categoría

“Museo de pasiones”

Información extraida de la página: http://www.flg.es/agenda-de-actividades/exposiciones-temporales/exposicion-javier-viver-museo-pasiones#.XwSfCOdS-Uk

En el Museo Lázaro Galdiano y en la Capilla de los Arquitectos

Exposición de Javier Viver “Museo de pasiones”

Javier Viver propone en Museo de Pasiones una reinterpretación del Museo Lázaro Galdiano teniendo como hilo conductor las pasiones humanas, relacionando fotografías del psiquiátrico parisino de la Salpêtrière con las obras de la Colección Lázaro. La pieza principal es La mujer de Lot, una escultura monumental consolida con sal, que rememora al personaje bíblico de Edit, convertida en estatua de sal por mirar atrás. Viver cuestiona la mirada nostálgica al pasado y, como consecuencia, la muerte: “El refugio en las seguridades del pasado como evasión de la tarea contemporánea conduce a la muerte”.

El Museo de Pasiones tendrá como sede principal el Museo Lázaro Galdiano pero la exposición continúa en la Capilla de los Arquitectos de la Iglesia de San Sebastián, joya arquitectónica de Ventura Rodríguez, donde Javier Viver realizará una instalación site specific titulada Un corazón que late.

Diversas actividades relacionadas acompañarán a esta exposición, como la presentación del nuevo libro de Javier Viver Cristos y Anticristos sobre la Guerra Civil española; un cuidado catálogo de la muestra; el IV Simposium Transcendencia y espiritualidad en el Arte Contemporáneo que con motivo de la muestra se celebrará en la Universidad Francisco de Vitoria; un ciclo de música inmersiva titulado Cum grano salis y visitas guiadas.

  • Del 05/02/2020 al 04/05/2020 (Museo Lázaro Galdiano) ¡AMPLIADA HASTA EL 20 DE SEPTIEMBRE!
  • Del 13/02/2020 al 04/05/2020 (Capilla de los Arquitectos) ¡AMPLIADA HASTA EL 20 DE SEPTIEMBRE!
  • Museo Lázaro Galdiano. Calle Serrano 122 (Madrid).
  • Iglesia de San Sebastián. Calle Atocha 39 (Madrid).
  • Precio: Visita incluida con la entrada al Museo (entrada general 7 €).
  • Precio: Entrada gratuita (Capilla de los Arquitectos).
  • Organiza: Museo Lázaro Galdiano y Real Congregación de Arquitectos de Nuestra Señora de Belén en su huida a Egipto.
  • Colaboran: Ayuntamiento de Madrid, Universidad Francisco de Vitoria y Espacio Contemplación.

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

HUMOR ABSURDO: UNA CONSTELACIÓN DEL DISPARATE EN ESPAÑA

Extraído de la página:

http://ca2m.org/es/en-curso/humor-absurdo-una-constelacion-del-disparate-en-espana

Necesito Tijeras_Amparo Segarra


HUMOR ABSURDO: UNA CONSTELACIÓN DEL DISPARATE EN ESPAÑA
31 ENERO – 4 OCTUBRE 2020
INAUGURACIÓN 30 ENERO 20:00


COMISARIA MERY CUESTA

Asesores: Joaquín Reyes (humor), Luís E. Pares (cine), Gloria G. Durán (vanguardias), Gerardo Vilches (cómic y humor gráfico) y Desirée de Fez (internet).

‘Humor absurdo’ define una constelación nueva de prácticas humorísticas absurdas en España. Partiendo de los ‘Disparates’ de Goya, nos adentramos en los siglos XX y XXI de la mano de Ramón Gómez de la Serna para atisbar diferentes autores y propuestas humorísticas que se han producido en este país hasta la actualidad. La constelación de prácticas humorísticas absurdas que muestra la exposición se basa principalmente en el nonsense y en el collage (la mecánica corta-pega) como procedimiento. Así, el disparate y la dislocación se revelan como las estrategias fundamentales en la búsqueda del efecto humorístico absurdo.

La exposición se despliega como una constelación de nombres y prácticas y no sigue un hilo cronológico. El recorrido se articula en 9 ámbitos: Hacia el disparate en España – Vanguardias y humor – Costumbrismo absurdo – Dislocación y abstracción – Humor surrealista – Vida doméstica – El individuo frente al sistema – Muerte – Más allá. En total la exposición refleja más de 110 autores entre los que se encuentran José Gutiérrez Solana, Faemino y Cansado, Miguel Noguera, Amparo Segarra, Millán Salcedo (Martes y Trece), Miguel Brieva, Flavita Banana, Manuel Summers, Mª Dolores de la Fe, Cifré, Hidrogenesse o Joaquín Reyes.

El resultado de la exposición es una panorámica transgeneracional que define un humor que observa el mundo desde una posición lúdica y suspendida sobre las circunstancias de la pura actualidad. En un presente en el que el humor está hostigado por los límites y el odio, nuestro reducto de felicidad balsámica es éste arte del disparate que apuesta por el sinsentido como fuente de disfrute y como actitud ante la vida.


ACTIVIDADES PARALELAS


LA JUERGA DE LO NUEVO
30 enero 21:30
Concierto Ladilla Rusa
El grupo de electropop Ladilla Rusa nació en 2017 como una broma de dos amigos de toda la vida, los periodistas Tania Lozano y Víctor F. Clares. Desde entonces, y siempre con el humor y la fiesta como bandera, el grupo ha popularizado canciones como Bebo (de bar en peor), Criando Malvas, Princesas o la que es ya casi un himno de verbena, Macaulay Culkin.


JARL. VISITA-TALLER A LA EXPOSICIÓN
11 febrero – 28 junio 11:00 – 13:30
Más información AQUÍ.


LA JUERGA TOTAL
5 marzo 18:00 – 20:30
Proyección película Total, de José Luis Cuerda
Parodia de la vida de los habitantes de un pueblo llamado Londres en el supuesto año 2598, tres días después del fin del mundo.
Tras la proyección tendrá lugar un Debate total entre Mery Cuesta y Noel Ceballos.


UN BIGOTE PARA EL SIGLO XXI. TRANSMISIONES GENERACIONALES DEL HUMOR ABSURDO Y EL DISPARATE AUDIOVISUAL
A partir del 22 de mayo
Ciclo de cine online CA2M y Filmoteca Española.
Más información AQUÍ.


Recorridos sonoros de la artista Alba Rihe disponibles en recepción (más información y descarga).


Recorridos performativos: miércoles a las 19:00 y domingos a las 12:30 (más información).


PUBLICACIONES


Humor absurdo: Una constelación del disparate en España va acompañada de una ambiciosa publicación coproducida con la editorial Astiberri y que tendrá difusión en todo el estado español. La publicación – que lleva el mismo título que la exposición – incluye textos de la comisaria Mery Cuesta y de los investigadores que han participado en el desarrollo de la tesis de la exposición: Joaquín Reyes (especialista en humor), Luis E. Parés (especialista en cine), Gloria G. Durán (especialista en vanguardias), Desirée de Fez (especialista en cine e internet) y Gerardo Vilches (especialista en cómic).


RECURSOS

Hoja de sala


PRENSA

Dossier de prensa

Nota de prensa


Con la colaboración de Museo ABC.

Logo Museo ABC

Con el apoyo de:

CERVEZASALHAMBRA

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

El Museo del Prado publica la reproducción fiel del Cuaderno C de Goya

masdearte.com > Noticias > El Museo del Prado publica la reproducción fiel del Cuaderno C de Goya

Supone el colofón a su reciente exposición sobre los dibujos del maestro

Madrid, 15/06/2020

El pasado 16 de febrero cerró sus puertas en el Museo del Prado la exposición “Solo la voluntad me sobra. Dibujos de Goya”, en cuyo recorrido tenía un lugar preminente el Cuaderno C de dibujos del artista, 120 de los cuales se incorporaron a los fondos de la pinacoteca en 1872. Fechados entre 1814 y 1823, están dedicados a asuntos muy diversos, desde sueños a aspectos de la vida cotidiana, con una especial atención a la situación de las capas sociales más desfavorecidas, a las víctimas de las consecuencias económicas y sociales de la Guerra de la Independencia.

Hay que recordar que solo uno de los cuadernos de dibujo del aragonés, el primero, el Cuaderno italiano, se conserva íntegro y en su encuadernación original; el resto fueron descuadernados cuando el pintor murió para después reorganizarse en álbumes que se pusieron a la venta separadamente. Así, sus hojas fueron autónomamente subastadas y adquiridas por colecciones públicas y particulares; la excepción a esa dispersión es justamente el Cuaderno C, un diario gráfico en el que Goya dio cabida a los temas que más le preocupaban entonces, después de la contienda, y en el que se expresó al margen de convencionalismos y de la corrección política.

Lo componían originalmente, como mínimo, 133 hojas, ocho hoy desconocidas, y como epílogo a aquella exposición y tras el obligado parón de actividades debido a la pandemia, el Museo nos ofrece ya en su tienda, y también en librerías de Italia, Francia, Bélgica, Luxemburgo y Suiza, el libro que reproduce con fidelidad ese Cuaderno, coeditado con Skira.

Encontraremos, en su orden y tamaño original, todas las obras de ese conjunto en el Prado, anverso y reverso, con imágenes realizadas ex profeso para esta publicación por el Archivo Fotográfico del centro. Y cierra el libro un texto en cinco idiomas de José Manuel Matilla, Jefe de conservación de Dibujos y Estampas del Museo, que analiza formal y técnicamente el Cuaderno y aporta las claves del contexto histórico y personal en el se llevó a cabo. Según el propio Matilla, la posibilidad de tenerlo en la mano, tal y como lo  tuvo  Goya, amplía el  campo de posibilidades interpretativas de su obra. Pienso sinceramente que hay un antes y un después de este libro para conocer a Goya sin intermediarios.

Entre los meses de julio y septiembre, este volumen, que tiene un precio de 40 euros, llegará a Reino Unido y el resto de países europeos, Asia, Australia, Estados Unidos y Sudamérica.

Páginas interior de la publicación Cuaderno C. Francisco de Goya
Páginas interiores de la publicación “Cuaderno C. Francisco de Goya”
Páginas interior de la publicación Cuaderno C. Francisco de Goya
Páginas interiores de la publicación “Cuaderno C. Francisco de Goya”

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.

Categorías
Sin categoría

Ahora en el Museo Reina Sofía:

Información extraida de https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/mario-merz

Mario Merz

El tiempo es mudo

11 octubre, 2019 – 30 agosto, 2020 / Parque del Retiro, Palacio de Velázquez

Mario Merz. Rinoceronte, 1979. Técnica mixta sobre tela y neón, 291 x 435 cm. Colección particular, Madrid. © Mario Merz by SIAE, VEGAP, Madrid, 2019
Vista de la exposición Mario Merz. El tiempo es mudo
Vista de la exposición Mario Merz. El tiempo es mudo
Vista de la exposición Mario Merz. El tiempo es mudo
Vista de la exposición Mario Merz. El tiempo es mudo

Mario Merz. Rinoceronte, 1979. Técnica mixta sobre tela y neón, 291 x 435 cm. Colección particular, Madrid. © Mario Merz by SIAE, VEGAP, Madrid, 2019

La retrospectiva dedicada a Mario Merz (Milán, Italia, 1925-Milán, Italia, 2003) recorre las derivas de una obra suspendida en una suerte de tiempo prehistórico, ajeno al discurso de la historia en la era moderna. Dicha perspectiva anacrónica, evidente en la elección de los materiales y la iconografía, es resultado de la posición ideológica y comprometida del artista en relación con el contexto político e intelectual italiano de los años sesenta y setenta del siglo XX, así como de su rechazo a la penetración del capitalismo y el modo de vida americano en el mundo de la posguerra.

Vinculada al arte povera, la práctica artística de Merz incorpora varios de los rasgos fundamentales que el crítico de arte coetáneo Germano Celant identificó con esta corriente: además de su oposición a la sociedad posindustrial del consumo, hallamos un uso consciente de materiales orgánicos como arcilla, ramas, cera o carbón. De su empleo emergen algunas de las asociaciones recurrentes en el imaginario pre-moderno del artista, como la del fuego, el rayo y la flecha; figuras con significados míticos y geológicos como, por ejemplo, el iglú, la mesa, la espiral o el río; o animales ancestrales como el rinoceronte o el cocodrilo. Estos motivos junto con la idea del nómada atraviesan toda su poética, con la que reivindica modelos de vida en connivencia con la naturaleza que se resistan al proyecto depredador de la modernidad capitalista. En este sentido, la búsqueda de lo mítico distingue la obra de Merz de la de sus contemporáneos afines, pues su arcaísmo no tiene que ver con el anhelo melancólico del pasado, sino con una incisiva crítica a la modernidad industrial y consumista.

Su biografía da cuenta de esta implicación tanto política como poética. Militante del grupo de resistencia antifascista Giustizia e Libertá, fue encarcelado por su activismo en 1945, momento en que comenzó a recurrir a materiales tan precarios como cartas y envoltorios de comida. Desde muy temprano, desarrolló sus preocupaciones políticas y sociales en términos estéticos, destacando obras emblemáticas como Igloo di Giap o Che fare?, surgidas al calor de los acontecimientos de Mayo del 68 y de las ideas políticas y filosóficas que, sobre todo en Italia, modificaron la concepción clásica del marxismo sobre el papel del intelectual como sujeto revolucionario.

No te pierdas las ultimas noticias, exposiciones y eventos del panorama artístico madrileño.