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Expresionismo alemán

en la colección del barón Thyssen-Bornemisza

Del 27 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Información extraída de: https://www.museothyssen.org/exposiciones/expresionismo-aleman-coleccion-baron

Esta exposición dedicada al Expresionismo alemán es la apertura de la celebración del centenario del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002), uno de los más acreditados coleccionistas del siglo XX. Cuando en mayo de 1961 el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza adquirió una acuarela de Emil Nolde iniciaba un cambio de rumbo en el coleccionismo de la saga Thyssen. Si durante el periodo de entreguerras su padre, Heinrich Thyssen, había reunido una extraordinaria colección de maestros antiguos, entre los años setenta y noventa del pasado siglo él desarrolló una intensa actividad coleccionista de los principales movimientos artísticos del siglo XX, entre los que el expresionismo ocuparía un lugar primordial.

En 1993, el Estado español adquirió la mayor parte de la colección Thyssen y una significativa selección de obras del expresionismo alemán pasó a pertenecer al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, un arte hasta entonces inexistente en las colecciones españolas.  La exposición reúne por primera vez las obras de la colección permanente del museo con el conjunto de pinturas expresionistas que quedó en manos de su mujer, Carmen Thyssen-Bornemisza, y sus hijos.

Comisariada por Paloma Alarcó, la muestra cambia la habitual distribución cronológica del expresionismo en nuestras salas para ofrecer una visión renovada que se articula alrededor de tres conceptos: el proceso de creación de las pinturas, su éxito de público y crítica y, por último, la relación del barón con sus marchantes y los proyectos expositivos que organizó para difundir su colección en el contexto internacional.

Fränzi ante una silla tallada. Ernst Ludwig Kirchner
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Petrit Halilaj

A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados

Información extraída de: https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/petrit-halilaj

17 julio, 2020 – 28 febrero, 2021 / Palacio de Cristal, Parque del Retiro

Vista de la exposición Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, Palacio de Cristal, 2020. ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
Vista de la exposición Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, Palacio de Cristal, 2020. ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
Vista de la exposición Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, Palacio de Cristal, 2020. ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
Vista de la exposición Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, Palacio de Cristal, 2020. ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)
Vista de la exposición Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, Palacio de Cristal, 2020. ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)

Vista de la exposición Petrit Halilaj. A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados, Palacio de Cristal, 2020. ImagenSubliminal (Miguel de Guzmán + Rocío Romero)

El trabajo de Petrit Halilaj (Kostërrc, Kosovo, 1986) está estrechamente ligado a su biografía, la historia reciente de su país y las consecuencias de las tensiones políticas y culturales en la región. Los recuerdos infantiles, bañados por el drama de la guerra y su condición de refugiado constituyen una constante en su práctica, donde aborda temas como el hogar, la nación y la identidad cultural a través de diversos medios, desde el dibujo y la escultura al vídeo, la instalación e, incluso, la escritura. En su planteamiento no existe, sin embargo, una ruptura entre lo personal y lo histórico, lo íntimo y lo social, sino una relación, una continuidad que está presente en su intervención para el Palacio de Cristal.

Quizás por ello, para esta exposición –la primera muestra individual que se le dedica en España– se invitó al artista, medio en broma, medio en serio, a realizar “la pieza de su vida”. Halilaj parece haber aceptado de forma casi literal esta propuesta, haciendo de su experiencia biográfica material artístico: ha convertido el Palacio en un gran nido que conecta el interior con el exterior, a los visitantes con el entorno, abriendo ventanas e instalando estructuras y comederos que atraigan a las aves y otras criaturas que habitan el Parque del Retiro o se encuentran en tránsito. Los pájaros son un elemento recurrente en su trabajo, simbolizan la transgresión de los límites que el pensamiento moderno establece entre sujeto y objeto, cultura y naturaleza. En concreto, el artista se ha inspirado en el singular ritual de apareamiento de los bowerbirds, que construyen elaboradas estructuras (bowers) y las decoran con objetos coloridos para atraer a la pareja. La idea de este ritual está muy ligada a su biografía: las grandes flores que decoran el nido, realizadas en un delicado marco de acero y lienzo pintado, son fruto del trabajo colaborativo con su compañero, el artista Álvaro Urbano. Su elección forma parte de la historia personal que les une y tiene el propósito de celebrar su unión: forsythias, semillas de palma, flores de cerezo, amapola, clavel y lirio. Sin embargo, estas referencias, lejos de quedar en el terreno de lo anecdótico, van más allá: al hacer pública su intimidad, esta cobra una dimensión social y política evidente, reclama visibilidad y aceptación; un gesto que adquiere aún más relevancia si atendemos al pasado colonial del Palacio como lugar de exhibición y exclusión, pero también como espacio público.

A este respecto, es fundamental para el artista formular tensiones y traspasar los límites entre aquello que se hace público, que se considera aceptable o susceptible de atención, y lo que, por el contrario, es censurado o desdeñado. El cuervo blanco que sostiene un trozo de madera en History of a Hug [Historia de un abrazo, 2020] habla de estas convenciones. En concreto, alude a un momento particular en la historia familiar de Halilaj: era la herramienta de trabajo de su abuelo en el campo y el objeto que sostenía cuando supo que su esposa había dado a luz a su primer hijo. Incapaz de expresar en público su inmensa alegría, que podría haber sido interpretada como un signo de debilidad en una sociedad patriarcal, abrazó el poste con tanta fuerza que pensó que lo rompería. Para el artista el motivo del cuervo blanco sugiere también la diversidad y la resistencia a cambiar para ser aceptado; en este sentido, es metáfora de muchas cosas: ser homo- sexual cuyo amor no es plenamente reconocido ni por su familia ni por la mayoría de la sociedad kosovar; ser una persona kosovar cuyo país no es reconocido por otros muchos, entre ellos España.

Como los nidos en la naturaleza, el espacio proyectado por Halilaj no puede considerarse autónomo o escindido de su entorno, ni de sus visitantes y sus actividades, sino que es, por el contrario, una continuación de los mismos. Esta relación, que puede entenderse como una forma de interdependencia, resuena en toda la instalación; por ejemplo, en las dos patas de pájaro que componen Here To Remind You [Aquí para recordarte, 2020]. Además, este nido tiene algo de desproporcionado y extraño en su envergadura, en la escala gigantesca de sus flores, en el protagonismo y el confort que se busca para los pájaros. El artista suspende así la perspectiva logocéntrica que nos hace creer que somos la medida y centro de las cosas para reconocernos como un elemento más. El nido se revela entonces como el escenario de un ritual que aguarda a que los encuentros, las alianzas y las uniones entre sus diferentes visitantes tengan lugar, alterándose y cambiando con el espacio.

A un cuervo y los huracanes que, desde lugares desconocidos, traen de vuelta olores de humanos enamorados es la primera exposición que se inaugura en el Museo Reina Sofía tras su clausura a causa de la pandemia de la COVID-19. De hecho, su montaje quedó interrumpido por la misma. En estas circunstancias, la propuesta de Halilaj no podría resultar más pertinente: la dedicatoria al cuervo y a los huracanes que establece en su título nos habla de la lucha que precede a la aceptación. La presente crisis ha evidenciado la debilidad del sistema económico en el que se asienta nuestro mundo y la insostenibilidad del crecimiento ilimitado de espaldas a la naturaleza. Nos ha enfrentado a nuestra vulnerabilidad e interdependencia, y ha situado los afectos y cuidados en el centro de una subsistencia común que no puede prolongarse sin tener en cuenta al resto de habitantes del planeta. Con este nido, Halilaj ofrece un refugio y, de este modo, apela a la esperanza, a la posibilidad de otro futuro distinto de aquel al que parecíamos abocados.

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Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931)

Información a extraída en: https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/invitadas-fragmentos-sobre-mujeres-ideologia-y/197d4831-41f1-414d-dbdf-5ffd7be4cc3f

Museo Nacional del Prado. Madrid 06/10/2020 – 14/03/2021

“Esta exposición es un claro ejemplo de la voluntad del Prado de seguir siendo un referente cultural incluso en momentos de dificultad. Por eso, quiero agradecer el compromiso de la Fundación AXA y, muy especialmente, el de todos los empleados de esta institución que, con su esfuerzo y dedicación, hacen que sea posible” afirma Javier Solana, Presidente del Real Patronato del Museo Nacional del Prado.

La primera exposición que organiza el Museo Nacional del Prado tras su reapertura, “Invitadas”, tiene como objetivo ofrecer una reflexión sobre el modo en el que los poderes establecidos defendieron y propagaron el papel de la mujer en la sociedad a través de las artes visuales, desde el reinado de Isabel II hasta el de su nieto Alfonso XIII. En este tiempo el Museo del Prado se convirtió en elemento central de la compra y exhibición de arte contemporáneo y desempeñó un papel sustancial en la construcción de la idea de escuela española moderna.

“La Fundación AXA se siente muy orgullosa de poder contribuir a esta exposición tan audaz que reivindica el papel de la mujer y la hostilidad con la que fue tratada por el sistema del arte español en el siglo XIX y principios del XX. Llevamos veintiún años colaborando con el Prado y cada muestra supera a la anterior” comenta Olga Sánchez, Presidenta de la Fundación AXA.

La exposición, ordenada a través de episodios particularmente significativos de este sistema artístico, genera un conjunto de escenarios para reflexionar desde la colección del propio Museo, y para analizar algunas de las consecuencias más profundas de una mentalidad compartida. En todos estos espacios las mujeres que aparecen son pocas veces protagonistas por voluntad propia y rara vez están en los lugares que desean; sólo fueron invitadas incómodas en la escena artística de su tiempo.

“Creo que uno de los mayores atractivos de la exposición radica precisamente ahí, en no haber acudido a la periferia sino al arte oficial de la época. Es posible que alguna de estas obras sorprenda a una sensibilidad contemporánea, pero lo hará no por su excentricidad o malditismo, sino por ser expresión de un tiempo y una sociedad ya periclitados” afirma Miguel Falomir, Director del Museo Nacional del Prado.

Este recorrido pone también de manifiesto el compromiso del Museo Nacional del Prado con la conservación, estudio y difusión de sus colecciones en su deseo de visibilizar obras no siempre al alcance del público mediante su incorporación a nuevas narrativas.| – Comisario: Carlos G. Navarro, conservador del Área de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado.

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El sueño americano. Del pop a la actualidad.

información extraida de: https://www.esmadrid.com/agenda/sueno-americano-pop-actualidad-caixaforum-madrid?utm_referrer=https%3A%2F%2Fwww.esmadrid.com%2Fagenda-exposiciones-madrid%3Futm_referrer%3Dhttps%253A%252F%252Fwww.google.com%252F

El espacio cultural CaixaForum Madrid ofrece una oportunidad única del 8 de octubre al 31 de enero para conocer piezas de obras gráficas de artistas como Lichtenstein, Rauschenberg, Ruscha, Judd, Johns, Close, Bourgeois, Warhol y Kooning. La exposición presenta una perspectiva fresca y diversa de cómo los artistas vieron este periodo de profundos cambios en Estados Unidos.

En 1960 el arte gráfico de Norteamérica proporcionaba una visión fresca y diversa de los artistas ante los distintos periodos de profundos cambios sociales y políticos que se han vivido y se siguen viviendo en Estados Unidos. Esta generación explotó su arte de manera que se convirtió también en una vía para tratar cuestiones tanto sociales como políticas.

Los temas que trataban eran diversos: los derechos civiles, la Guerra Fría, la carrera espacial, la guerra de Vietnam, la música rock y la contracultura, los movimientos feministas o el cuestionamiento del sueño americano por la creciente desigualdad entre ricos y pobres.

Esta muestra ofrece una visión general del desarrollo del arte gráfico en Estados Unidos desde 1960 hasta nuestros días, con especial atención a las figuras clave de su historia, como Andy Warhol, Jasper Johns, Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg y obras provenientes mayoritariamente de la colección del British Museum.

Créditos imágenes:

  • Roy Lichtenstein. Girl/spray can from walasse Ting 1¢ Life, 1963. The trustees of the British Museum. Estate of Roy Lichtenstein/All right reserved/ VEGAP 2020
  • May Stevens, Big Daddy with Hats, 1971. Big Daddy con sombreros. Serigrafía en color. The Trustees of the British Museum. May Stevens; cortesía de la artista y de Ryan Lee Gallery, Nueva York
  • Andy Warhol. Vote McGovern, 1972. Vota McGovern. Serigrafía en color. The Trustees of the British Museum. 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Inc. / VEGAP

  • Girl/spray can from walasse Ting 1¢ Life
  • May Stevens, Big Daddy with Hats, 1971. Big Daddy con sombreros. Serigrafía en color. The Trustees of the British Museum. May Stevens; cortesía de la artista y de Ryan Lee Gallery, Nueva York
  • Andy Warhol. Vote McGovern, 1972. Vota McGovern. Serigrafía en color. The Trustees of the British Museum. 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Inc. / VEGAP
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Disonata. Arte en sonido hasta 1980

Información extraida de https://www.museoreinasofia.es/prensa/nota-de-prensa/disonata-arte-sonido-hasta-1980

22 de septiembre de 2020 – 1 de marzo de 2021 (Previsión) / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, 3ª planta, Madrid.

La exposición Disonata. Arte en sonido hasta 1980, basada en un proyecto original de Guy Schraenen, recientemente fallecido, analiza una de las facetas menos conocidas de las artes plásticas: el desarrollo del sonido como campo creativo diferenciado de la música, desde principios hasta finales del siglo XX.

Disonata se inscribe en una programación diseñada por el Museo Reina Sofía para poner en común las interconexiones entre arte y sonido: cómo éste irrumpe en las artes plásticas y de qué manera lo abordan distintos artistas de diferentes épocas. La exposición constituye así una pieza más en esa especie de universo dedicado al arte sonoro que el Museo ha compuesto dando una visión de conjunto global, en el que es obligado relacionarla con Audiosfera. Experimentación sonora 1980-2020, que se abre el 14 de octubre, o la representación sonora del Niño de Elche a partir de Val del Omar que se podrá ver desde del 7 del mismo mes; el concierto celebrado recientemente de Barber o el ciclo Archipiélago, de música experimental, que acaba de finalizar. Distintas manifestaciones que conforman un todo que hará entender mejor al público las relaciones entre lo que hay de visual y auditivo en el arte.

En esta muestra en particular, que cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid, el espectador encontrará cerca de doscientas obras: grabaciones, pinturas, instrumentos, esculturas, partituras, maquetas, manifiestos, fotografías y películas que descubren una cara diferente del arte, que arrancó con las vanguardias históricas del futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, y en la que destacan obras de artistas como Elena Asins, Ulises Carrión, Marcel Duchamp, Esther Ferrer, Jean Tinguely o John Cage, de Fluxus, entre otros.

De esta forma se recupera el trabajo de una serie de pioneros que se adentraron en terrenos inexplorados de los fenómenos y procesos sonoros, antaño de dominio exclusivo de los músicos. La fuerza impulsora de esta transformación fueron los artistas visuales, pero también participaron poetas y músicos visionarios, incluso arquitectos e ingenieros, que favorecieron una serie de experimentos acústicos revolucionarios que desbordaron las categorías predefinidas del arte moderno y contemporáneo.

El recorrido de la exposición pone de relieve de forma cronológica diferentes momentos cruciales de este proceso: desde la experiencia futurista de construir instrumentos para entonar ruidos; los experimentos espaciales, musicales y multimedia en los años 50, como el Pabellón de la compañía Philips en la Exposición Universal de Bruselas de 1958, con contribuciones de Iannis Xenakis y Edgar Varèse, y todo ello bajo la dirección de Le Corbusier (autor del espectáculo Poema electrónico del interior); la fascinación de los artistas visuales por el magnetófono en los años centrales del siglo XX; las aportaciones del movimiento Fluxus o el grupo español Zaj hasta llegar a las escenas pospunk en los años 80.

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Botero. 60 años de pintura

Información extraida de https://www.centrocentro.org/exposicion/botero-60-anos-de-pintura

La exposición Botero. 60 años de pintura, producida por Arthemisia con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, recorre seis de las más de siete décadas de la extensa trayectoria del artista colombiano Fernando Botero (Medellín, 1932). 

El recorrido se divide en siete secciones, correspondientes a los temas más característicos de su obra, que conectan con su fascinación y constante estudio de los temas clásicos de la historia del arte.

América Latina, el tema central de su carrera; las Versiones que realiza a partir de obras maestras de la historia del arte; las Naturalezas Muertas, uno de sus géneros pictóricos favoritos; la Religión, La corrida, el Circo, tres temas universales de la pintura de los que realiza lecturas completamente originales y que le atraen fundamentalmente por su fuerza pictórica y porque le ofrecen infinitos retos y posibilidades plásticas como experimentar con la técnica, la composición, la sensualidad, la forma, el volumen y el color.

Acuarelas sobre lienzo, la séptima sección  permitirá contemplar su obra inédita más reciente. No por casualidad, su carrera comenzó pintando acuarelas, la técnica más popular por entonces en Colombia.

La gran diferencia en esta última serie de acuarelas radica en que Botero las realiza en un gran formato y no sobre papel como es habitual, sino sobre lienzo. Están tratadas a modo de verdaderos frescos, técnica que estudió en sus años de aprendizaje en Italia (1953-1956). 

La exposición Botero. 60 años de pintura permite explorar las fuertes convicciones y principios del artista, que se manifiestan en su coherencia de estilo, así como las influencias que han marcado su trayectoria, desde el Quattrocento italiano al bodegón holandés; o desde Velázquez, Goya y Durero a los muralistas mexicanos. 

La muestra ofrece una nueva visión de la obra de Botero, y nos remite a una reflexión sobre un estilo internacionalmente reconocido, distinguido por la exaltación del volumen, la opulencia de las formas opulentas, la explosión de color y sus composiciones impecables de una calma lírica emocionante.

Un nuevo lenguaje radicalmente singular, inventado por el maestro Botero, con el que no solo ha enriquecido sino revolucionado el arte moderno. 

Bailarina en la barra
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Expresionismo alemán Museo Thyssen

Información extraida de: https://www.museothyssen.org/exposiciones/expresionismo-aleman

Del 27 de octubre de 2020 al 14 de marzo de 2021

Cuando en mayo de 1961 el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza adquirió una acuarela de Emil Nolde iniciaba un cambio de rumbo en el coleccionismo de la saga Thyssen. Si durante el periodo de entreguerras su padre, Heinrich Thyssen, había reunido una extraordinaria colección de maestros antiguos, entre los años setenta y noventa del pasado siglo él desarrolló una intensa actividad coleccionista de los principales movimientos artísticos del siglo XX, entre los que el expresionismo ocuparía un lugar primordial.

En 1993, el Estado español adquirió la mayor parte de la colección Thyssen y una significativa selección de obras del expresionismo alemán pasó a pertenecer al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, un arte hasta entonces inexistente en las colecciones españolas. La exposición Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza reúne, por primera vez en décadas, estas obras con el conjunto de pinturas expresionistas que quedó en manos de su mujer, Carmen Thyssen-Bornemisza, y sus hijos.

Comisariada por Paloma Alarcó, la muestra cambia la habitual distribución cronológica del expresionismo en nuestras salas para ofrecer una visión renovada que se articula alrededor de tres conceptos: el proceso de creación de las pinturas, su éxito de público y crítica y, por último, la relación del barón con sus marchantes y los proyectos expositivos que organizó para difundir su colección en el contexto internacional.

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DANNY LYON

Información extraida de: https://www.fundacionico.es/exposiciones/danny-lyon-la-destruccion-del-bajo-manhattan/

Fundación ICO

La destrucción del Bajo Manhattan, que el Museo ICO expondrá íntegramente por primera vez en España, es uno de los más importantes ensayos fotográficos del siglo XX con la ciudad como centro de atención.  

 En él, Danny Lyon documenta la demolición de 24 hectáreas de edificios del centro histórico de Nueva York que, mayoritariamente construidos en el siglo XIX, debían dejar sitio, entre otros, al nuevo World Trade Center, complejo que, por circunstancias completamente diferentes, también sería destruido tan solo treinta años después.

La exposición reúne 76 fotografías de gran belleza y valor documental tomadas en torno al Puente de Brooklyn, Washington Market y la Calle West, un recuerdo de lo que fue el Bajo Manhattan hasta su demolición en 1967, un lugar único con más de un siglo de antigüedad que nunca más volvería a existir, con edificios que, en algunos casos, se remontaban a la Guerra de Secesión.

Pero estas imágenes también son un retrato de las personas que vivían allí, de habitaciones vacías con dibujos infantiles, muebles, huecos de escalera, paredes, ventanas y revestimientos de madera.

Y son, por último, fiel reflejo de un debate urbanístico que, en pleno apogeo en los Estados Unidos de la década de 1960, continúa vigente en nuestros días: el que enfrentaba a los defensores de una ciudad amable en la que poder desarrollar una vida comunitaria activa en la calle (Jane Jacobs), frente a quienes propugnaban una renovación urbana más especulativa en la que las infraestructuras para el automóvil particular tuvieran un peso muy importante (Robert Moses).

La exposición se completa con la pequeña serie Un álbum: Europa, verano de 1959, una selección de 24 fotografías inéditas y nunca antes expuestas, las primeras de su carrera, tomadas por Danny Lyon con una Exa de 35 mm. durante un viaje a Europa con su hermano. Entre ellas hay varias realizadas en España.

 Danny Lyon, uno de los principales impulsores del “nuevo documentalismo” y, también, uno de los representantes de los denominados “concerned photographers” (fotógrafos comprometidos), es considerado como uno de los más influyentes y originales fotógrafos del siglo XX.

Su obra, que forma parte de las principales colecciones del mundo – incluidas las del MoMA y el Art Institute de Chicago–, destaca por la especial implicación que demostró con las comunidades y temas que fotografió en los Estados Unidos.

Entre sus principales trabajos, además de La destrucción del Bajo Manhattan (1967), se encuentran Uptown (1965), The Bikeriders (1967) o Conversations with the Dead (1971).  

Danny Lyon
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Medidas contra el Covid en el Estudio

¿ Qué medidas hemos tomado en el estudio Ilógico contra el Covid 19?

En el Estudio Ilógico queremos que nuestros alumnos reciban las clases de pintura y dibujo sabiendo que, desde el centro, estamos haciendo todo lo que está en nuestra mano para tener la máxima precaución frente al virus.

Criterios para la prevención :

·  Turnos máximos de 5 personas.

·  Todos los alumnos mantienen una distancia mínima entre si de 1,5m.

·  Desinfección del Aula antes y después de cada turno.

·  Desinfección de los puestos de trabajo en cada turno.

·  Toma de temperatura al entrar en el Estudio.

· Ventilación constante de las instalaciones.

·  Instalación de dispensadores de gel Hidroalcohólico en la entrada/salida del Estudio y en el Baño.

Con estas medidas y mucho sentido común queremos evitar: la propagación del virus, tener que cerrar el estudio temporalmente, y por supuesto, que nuestros alumnos dejen de aprender nuestra mayor pasión.

Muchísimas gracias por confiar en nosotros para guiaros en el dibujo y la pintura.

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Cinco itinerarios con un punto de vista. Colección MUSAC

Cinco itinerarios con un punto de vista. Colección MUSAC SALAS 1,2, 3, 4, LAB 987, VITRINAS

Información extraida de https://musac.es/#exposiciones/expo/cinco-itinerarios
  • 25 de enero, 2020 – 11 de octubre, 2020

La exposición Cinco itinerarios con un punto de vista, concebida con motivo del 15 aniversario del MUSAC, incluye un punto de vista, el del propio museo, que se inserta en un preciso contexto histórico y cultural al que sirve y que se despliega en cinco itinerarios que se corresponden con cinco temas que han guiado, entre otros, el incremento de la colección y la programación del museo desde 2013. Se trata de corporalidades y feminismos, teorías y prácticas decoloniales, contexto y acción situada, textualidades y archivos, y publicaciones especiales y libros de artista.

Aunque estas temáticas ejemplifican la labor del MUSAC durante los últimos años, no muestran todas las líneas de acción emprendidas para dar cuenta del complejo devenir de las artes y la sociedad en este principio de mileno. Son, eso sí, una cata prospectiva de asuntos que, o bien han marcando nuestro pasado inmediato, o bien indican algunos retos y vías de transformación para el futuro, o muestran la capacidad del presente para pensarse a sí mismo y, con él, a toda la ciudadanía.

A través de los temas tratados, la muestra pretende hacer hincapié uno de los mayores activos del museo: una extensa colección que cuenta con más de mil obras de 426 artistas nacionales e internacionales, a la que se unen las 291 obras de la Colección de Arte Contemporáneo de la Junta de Castilla y León, depositada en el museo, y una gran selección de libros de artista y ediciones especiales provenientes de la colección del Centro de Documentación del MUSAC.

Las diferentes manifestaciones del pensamiento crítico y sus relaciones con el arte y el trabajo situado, así como su articulación con un horizonte global han constituido los focos de la programación del MUSAC y de su colección tras el estallido de la burbuja económica, y son la base sobre la que se asienta la muestra Cinco itinerarios con un punto de vista. Tras la denominada crisis surgen nuevos escenarios que requieren renovados instrumentos de análisis, coherentes con las prácticas artísticas actuales.

Hoy, tanto amplios sectores de los públicos del arte como sus profesionales se percatan paulatinamente de este cambio de paradigma que implica un reto indiscutible: abandonar el relato canónico y repensar el mundo con nuevas y operativas categorías críticas, asumiendo en todo momento una actitud abierta a las transformaciones. 

Al presentar el arte sin ningún relato hegemónico legitimador (no refrendado por el centro, ni por el canon, ni por la moda) y al enhebrar los relatos o itinerarios sin el apoyo de uno de aquellos grandes relatos de la modernidad o de las maquinarias globales de promoción, se producen otras sensibilidades y emociones, diferentes formas de aproximarse al hecho estético y una  pluralidad de experiencias que dinamitan los límites de la representación tradicional del saber, como eran los supuestos criterios “objetivos” nacionales, cronológicos, de escuelas, estilísticos, etc. Orientarse en el pensamiento actual y en la práctica discursiva del arte significa apoyarse en principios y criterios ajenos al mercado y al canon que éste impone para generar sentido(s) y significado(s) con una perspectiva situada.

Apartados de la exposición

Dinámica relacional. Contexto y acción situada
Comisariado: Manuel Olveira.
Fechas: 25 enero – 11 de octubre 2020
Lugar: Sala 2

Performar el género. Corporalidades y feminismos
Comisariado: Manuel Olveira.
Fechas: 25 enero – 11 de octubre 2020
Lugar: Sala 3

La matriz del poder. Teorías y prácticas decoloniales
Comisariado: Manuel Olveira
Fechas: 25 enero – 11 de octubre 2020
Lugar: Sala 4

Escritura autónoma. Archivos y textualidades expandidas
Comisariado: Manuel Olveira.
Fechas: 25 de enero – 18 de octubre de 2020
Lugar: Laboratorio 987

Ni orden ni pulcritud. Libros y revistas de los años ochenta
Comisariado: Mela Dávila.
Fechas: 25 enero 2020 – 7 de marzo 2021
Lugar: Proyecto Vitrinas

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